What´s about?

La historia más grande jamás cantada

Es jueves, y no uno cualquiera, es Jueves Santo. Unos se van de vacaciones, otros se arremolinan a las puertas de las iglesias a esperar las procesiones, otras sufren los rigores de los tacones y las peinetas mientras algunos han decidido –con muy buen criterio- quedarse en casa y ver una vez más La Túnica Sagrada, Quo Vadis? o Rey de Reyes. A esta lista de clásicos pasionales tenemos que añadir uno esencial, una revisión hippy y transgresora sobre los últimos días de Cristo en la tierra. Jamás se pensó en un tema más trascendental para convertirlo en musical. Jamás nadie pensó que la Biblia pudiera romper taquillas en Broadway.  A nadie antes se le había ocurrido lo que la historia sagrada podía dar de sí. Al fin y al cabo se han vendido más ejemplares de este best seller que de Harry Potter…

1970. En una de las muchas conversaciones entre los autores y amigos Tim Rice y Andrew Lloyd Webber –que ya habían trabajado juntos en otra obra “bíblica” Joseph and the amazing technicolor dreamcoat- vuelven a hablar sobre una locura que les rondaba desde hacía tiempo. El concepto ópera rock no existía antes de finales de los sesenta. Tommy (The Who), Hair o el mismo Joseph eran los únicos precedentes de este novedoso concepto. Aliñar los evangelios de San Mateo con baterías y guitarras eléctricas suponía un cierto riesgo, pero eran los setenta y la gente estaba ávida de experimentos psicodélicos, y desde luego mucho más abierta a nuevas ideas que hoy día. Así que se pusieron manos a la obra, a redactar el libreto –casi inexistente al tratarse de una ópera- las letras y las músicas. En poco tiempo ya estaba listo el repertorio pero aún sin productor que quisiera entregar su pellejo como prenda en esta insólita empresa. Por el momento grabaron un disco con los temas principales y al instante ya había un par de ellos colocados en las listas de éxitos (Superstar y I don´t know how to love him) Esto supuso alguna garantía para producir el show.  Los intérpretes del vinilo eran Ian Gillian (Deep Purple) en el papel de Jesucristo, Murray Head (One night in Bangkok, Sunday, bloody Sunday) como Judas y una hawaiana semidesconocida llamada Yvonne Elliman como María Magdalena. La única, por cierto, que repitió papel en el estreno de Broadway y en la posterior película.

La popularidad del disco hizo que en pocas semanas fueran varias las producciones de aficionados -high schools y pandillas de jóvenes cristianos progres- que se pusieran en marcha. Todas sin autorización de los creadores. Era la primera vez que un musical se ponía en escena por amateurs antes de que se estrenara oficialmente. Pero la realidad es que ya nadie podía parar la “superstarmanía”.

En 1971 abrió sus puertas en el Mark Hellinger Theatre dirigido por Tom O´Horgan. Y no con las mejores críticas. La moral católica reaccionó de forma enérgica. Demasiado cinismo, demasiada política, demasiada humanidad y…demasiado Judas. Una historia sobre la pasión de Cristo en la que la resurrección no significa nada, en la que la Virgen María es ignorada, en la que Herodes aparece como una vieja reina del vodevil y en la que el punto de vista de la narración parte de Judas Iscariote… demasiada provocación.

Pero no olvidemos que a fin de cuentas quien de verdad manda en Broadway es el lobby judío, y parece que a pesar de lo que para su religión también significaba esta iconoclasta revisión, el olfato de los productores pudo mucho más y aquello, pese a todas las controversias, olía a taquilla que apestaba.  

En el estreno el papel de Judas lo hacía nada más y nada menos que Ben Vereen (Pippin, Sweet Charity, All that jazz), la “pierna derecha” de Bob Fosse. Otra transgresión, un Judas negro. Lástima que al enfermar lo tuvo que ser reemplazado por Carl Anderson, el Judas de la película.

En 1972 llegó al Palace Theatre de Londres donde aún consiguió un mayor éxito. Con sus casi nueve años de permanencia en cartel se convirtió en el musical más longevo en el Reino Unido hasta la fecha. Poco después le quitó el record otra creación del mismo autor, Cats.

Desde Lituania hasta Australia pasando por Hungría o Venezuela, el Superstar arrasó en cada país que adaptó el show. El estreno de la versión cinematográfica no se hizo esperar demasiado. En 1973 Norman Jewison (El violinista en el tejado, Hechizo de luna) dirigió esta austera superproducción con el rockero Ted Neely como Jesús y Carl Anderson e Yvonne Elliman repitiendo los papeles de Judas y Magdalena. Rodada en desérticos parajes de Israel, la película prescinde de gran parte de la tramoya teatral optando por un minimalismo cercano a lo onírico. El vestuario y los escasos decorados revelan la enorme influencia que el movimiento hippy tenía en estos momentos.  

A Madrid llegó en 1975. El productor Jaime Azpilicueta se atrevió con un montaje hipermoderno, algo que no se había visto jamás en nuestro país. Pero el riesgo no fue tanto al contar con una estrella como Camilo Sesto como protagonista. Angela Carrasco y Teddy Bautista  (sin comentarios) fueron Magdalena y Judas. Uno de los logros fundamentales de esta versión fue la traducción de las letras, sin duda una de las mejores de nuestra irregular trayectoria patria.

Pues sí, es Jueves. Hay nubes y claros. El viento amenaza con regalarnos otra tarde indecisa. No sé si tanto como para enchufarnos Los diez mandamientos, pero por lo menos para echarle un vistazo a las muestras de las diferentes versiones que traemos esta semana. Versiones de una obra que ha unido a católicos, protestantes y judíos, que ha abierto ampollas y llenado bolsillos, y que se ha instalado en la memoria afectiva de muchos –del que escribe al menos- por los siglos de los siglos. Amén.

         

That´s dancing!

El swing de Kathleen Marshall

Cuando los empleados de la fábrica de pijamas Sleep Tite decidieron ponerse en huelga ante la explotación de sus patronos, hartos de trabajar sin horario y con un miserable sueldo, no se ofuscaron, no. Se fueron de picnic y empezaron a dar saltos y hacer piruetas celebrando que, después de todo, "un día es un día".
Cuando Lucentio se tuvo que disputar el amor de la dulce Bianca con Gremio y Hortensio en la Padua del XVI, no desenfundaron sables ni florines, no discutieron ni pelearon. Se pusieron a bailar como locos ante la abrumada muchacha, a ver quién de los tres lo hacía mejor. ¿Tom, Dick o Harry?
Cuando se cansaron de dar brillo a su pelo -y a su "flamante" Buick de segunda o tercera mano- los chicos del Ridell High School no hicieron otra cosa que montarse un baile frenético sobre el destartalado coche.
Cuando la seductora Reno Sweeney se da cuenta de que solo por besar a Sir Evelyn Oakleigh podría ascender de simple cabaretera de music hall a una auténtica lady inglesa... Cuando todos en ese barco de locos impostan la personalidad de otro para lograr fortuna, sexo o amor en un disparatado crucero rebosante de champagne y frivolidad, correrán a cubierta a bailar al endemoniado ritmo del claqué proclamando a voz en grito que en el amor y en la guerra ...todo vale!
Cuando la incombustible princesa Winnifred cruza a nado el foso del castillo como una aspirante más a esposa del príncipe Dauntless... A pesar de que sale de allí embarrada y despeinada, a pesar de las miradas asesinas de la reina madre y del estupor de todos los presentes no se acobarda -aun sufriendo de una supuesta "timidez enfermiza"- sino que se echa a cantar y bailar entre almenas y torreones.
Y cuando a la pobre Ruth Sherwood se le empezaron a acumular las facturas sobre el escritorio, cuando una vez más sus artículos fueron rechazados por otro periódico y no tuvo más remedio que hacer de mujer anuncio del cabaret Village Vortex, no se vino abajo, no. Justo antes de tocar fondo comenzó a mover sus caderas al ritmo sincopado de un swing electrizante.
El swing de Kathleen Marshall.

Nacida en Pittsburgh, Penssylvania, Katie vivió desde pequeña la pasión por el mundo del espectáculo con la mayor naturalidad. No era la primera de la familia que sentía el pellizco del showbusines. Siguiendo los pasos de su hermano mayor, Rob Marshall (director de Chicago, Memorias de una geisha, Nine) comenzó a estudiar en escuelas de teatro y danza hasta que empezó a colaborar en sus primeros montajes. El bautizo le llegó nada más y nada menos que con Kiss of the spider woman, el musical de Kander y Ebb que coreografiaba Rob allá por el año 93. Su labor como asistente a la sombra de su hermano en un musical tan complejo y excitante como ese debió abrirle el apetito. Comenzar una carrera dando instrucciones de baile a Chita Rivera debe ser presagio de un brillante porvenir ¿no? claro, si llegas a superarlo.
Aún como ayudante siguieron éxitos como She loves me, Damn Yankees y Victor/Victoria. Los laureles -y los tonys- fueron para otros, pero la que tuvo que cuidar de que la Sra. Andrews no se cayera de los tacones durante Le jazz hot, fue ella y no otra. Desde finales de los noventa ya comenzó a montar sus propias coreografías en Broadway, incluso a dirigir algún espectáculo por sí sola. En el año 2000 dirigió uno de sus mayores éxitos, el que le valió la entrada por la puerta grande al exclusivo club de coreógrafos de leyenda (Agnes de Mille, Jerome Robbins, Bob Fosse...). El dinámico musical de Bernstein Wonderful Town con Donna Murphy encabezando el reparto tuvo que suponer un auténtico reto al estar plagado de referencias clásicas semi-intocables. Pero Katie salió airosa de la empresa y se llevó a casa un tony a la mejor coreografía.  Pronto tuvo que ampliar la estantería porque repitió con The Pajama Game y Anything goes, así como otras nominaciones por sus trabajos en Kiss me Kate o Grease. Para televisión ha realizado un par de películas -pequeñas y encantadoras- como The music man y Once upon a mattress.
Y ahora triunfa con su último trabajo, una espléndida revisión del musical más frívolo de todos los musicales frívolos de Cole Porter, Anything goes. Y dirige a Sutton Foster, y a Joel Grey... y los pone a bailar con un swing que solo unos pocos como ella entienden de verdad. Un swing que nos impide caminar de una forma normal cuando salimos del teatro o cuando estamos escuchando -y recordando- cualquiera de esos números imposibles de bailar.
¿Que qué es el swing? Pregúntale a un flamenco por el compás, a un pintor por el brochazo o a un diseñador por la línea, el toque. Seguramente tardarán mucho en dar una definición, porque no debe ser algo que se aprenda en las escuelas ni en los libros, o que se pueda copiar. O se tiene o no se tiene.
Pregúntale a Kathleen.




   

Hits/Flops

Old friends

¿Por qué no podemos ser como antes? Ya nada es igual... La vida me sonríe, el cielo es azul, oigo campanas cada mañana al levantarme, y canto ¡soy rico y feliz! No pasa un día, ni un solo día, en que no piense como llegaste a mi vida y aún no te has ido... Día tras día, tras día, tras día... hasta que los días pasen. Hey, viejo amigo ¿qué tal estás viejo amigo? El tiempo pasa y todo cambia, pero nosotros nos veremos la semana que viene...
Tres colegas fantasean sobre el mañana en la azotea de un modesto apartamento en Nueva York. Hacen planes de futuro y los dibujan sobre el cielo de una ciudad rebosante de estrellas y oportunidades. Una gran amistad entre ellos, también amor inconfeso. Y sobre sus cabezas pasa veloz el satélite Sputnik como presagio de un magnífico porvenir. Allá vamos, felices adelante!
Este no es el punto de partida de Merrily we roll along, sino justamente lo contrario, el final de la obra. El musical "maldito" del tándem formado por el productor Harold Prince y el autor Stephen Sondheim, no comienza por el principio sino por el final. El afamado productor de películas comerciales Franklin Shepard celebra en su lujoso loft de Los Angeles el estreno de su último éxito. Corre el año 1976. Entre los asistentes -que no invitados- se encuentra una vieja amiga que ahora es crítica teatral. Alcohólica y fracasada le reprocha al anfitrión el haberse vendido a la industria renunciando al arte. Una vez la echan de la fiesta nadie puede evitar preguntarse quién es, qué sabe de la historia de ese hombre, qué le une a su vida... Nadie puede evitar que el tiempo comience a pasar al revés, bajando escalones para averiguar cómo los han subido. ¿O tal vez no han subido tanto?
Estructurado de una original forma, este recorrido a la inversa por sus vidas va pasando de 1976 a 1973, y a 1968, 1966 y así sucesivamente hasta acabar en el comienzo de todo, en esa azotea de Manhattan en 1957. El mismo año en que los rusos lanzaron un satélite al espacio.
No deja de resultar irónico que un musical de Sondheim que reflexiona sobre el éxito y sus efectos se haya convertido en uno de sus mayores fracasos. Tal vez por su caprichoso concepto, sus complejas y agrias letras o por sus a veces antipáticos personajes e incómodas situaciones, no sobrevivió más de dieciséis representaciones cuando se estrenó en 1981. A pesar de que guarda algunas de las mejores canciones escritas por el mejor de los compositores teatrales vivos. Uno de los temas del show se llama precisamente It´s a hit! Es un éxito, o no. El éxito y el fracaso como siempre marcados a fuego en la mentalidad norteamericana.
El libreto está basado en la obra teatral del mismo título de los autores George S. Kaufman (guionista de Una Noche en la Ópera y otras películas de los Hermanos Marx) y Moss Hart (responsable del guión de Ha nacido una estrella) estrenada el año 1934. Pero cuando Prince y Sondheim le echaron un vistazo rápidamente se dieron cuenta de que trataba sobre sus propias vidas. Mucho tiempo atrás, cuando aún no eran nadie y andaban sedientos de oportunidades. La relación que les unió con Mary Rodgers (hija del famoso compositor Richard Rodgers), las largas tardes entre partituras y golpetazos de máquinas de escribir -y algún que otro whisky- componiendo sus primeros trabajos. Eran días de ilusiones y decepciones, de proyectos comunes, de rivalidad, amor, odio, puñaladas traperas y... también olvido. Los autores de esta obra deben saber muy bien cuánto cuesta soltar lastre, sacrificar amistades, incluso amores en pos de una carrera hacia el éxito. Deben estar muy curtidos en la batalla entre lo comercial y lo artístico, los principios y sus traiciones a golpe de talonario...
La larga relación personal y profesional entre Harold Prince y Stephen Sondheim duraba desde los años cincuenta, desde que uno producía y otro escribía West Side Story. Juntos dieron a luz obras maestras del calibre de A funny thing happened on the way to the forum, Company, Follies, A little night music o Sweeney Todd. Juntos llegaron al lugar más alto que alguien pueda alcanzar en el mundo del espectáculo, sin embargo el fracaso de este proyecto les hizo replantearse su colaboración y lo que es más duro, su amistad. Cuando los críticos aniquilaron cualquier esperanza de supervivencia de esta función, desde que el Alvin Theatre (llamado ahora Neil Simon) colgó el letrero de "cancelled" y comenzó a devolver el dinero de las entradas vendidas, algo se quebró entre estos dos "viejos amigos". La vida sigue imitando al arte, y viceversa.
Desde su retirada se han sucedido varias versiones en Londres y en Estados Unidos, pero nunca había sido reestrenada en Broadway. Hace unas semanas se ha vuelto a montar en Encores! (con actores y orquesta pero sin decorados) y los afortunados que han podido verla han reconocido el nivel de esta pieza extraña y excelente al mismo tiempo. Una obra que sufrió lo mismo que sus protagonistas, la incomprensión y la indiferencia, las heridas del paso del tiempo... pero que en realidad sigue tan joven y fresca como lo fue en un principio. Como esos amigos distanciados que de pronto encontramos y es como si los años no hubieran pasado entre nosotros. Like it was.



Another opening, another show! (una historia de Broadway, 5)

Los cuerdos años 30 (Stormy weather)

Un tiempo de tormenta para América y el mundo. La desesperación vagaba por las calles de la gran ciudad mientras sonaban las melodías del Tin Pan Alley, la fábrica de canciones que nunca paraba. Algunos de los mejores temas de la música popular estaban naciendo entre los finos tabiques de aquellas oficinas subarrendadas. A un par de dólares el pelotazo.
Si algo bueno trajo la Gran Depresión a Broadway fue la diversificación de los argumentos de sus obras. Antes de 1929 triunfaban shows del tipo "Good News" de DeSylva, Brown y Henderson (un equipo que era sinónimo de éxito). Canciones pegadizas y números divertidos sin más pretensiones. Eran los locos años veinte, justo antes de la pérdida de la inocencia... A partir de ahora, junto a estos espectáculos frívolos e intrascendentes se iban a producir obras que intentaban acercarse a la realidad. Pero no demasiado...esto es Broadway!
En aquellos días ya se conocía al distrito de los teatros como "The big apple". Aunque hoy se llame así a la ciudad de Nueva York, originalmente era el apodo de las manzanas que rodeaban Times Square. The "hardened artery" (la arteria más dura) o The grandest Canyon... eran otras formas de referirse al que ya se había consolidado como el corazón y las entrañas del show business.
A lo largo de la década de 1930 nacía un género que iba a ser fundamental en la historia del teatro musical. Buenas canciones, números y coreografías fascinantes y -lo más importante- argumentos que tenían algo que contar. Aún en clave cómica o satírica, las historias irían más allá del famoso chico conoce chica, chico pierde chica etc. La crítica soterrada, la burla hacia el sistema o hacia los políticos (a veces ligeramente "contaminada" de ideologías subversivas) pero eso sí, aderezados con un poco de romance. George e Ira Gershwin fueron auténticos maestros de esta fórmula. Strike up the band o la cáustica Of thee I sing (primer musical de la historia en ganar un premio Pulitzer) fueron dos de sus títulos más populares, ambos ironizando sobre el sistema capitalista -incluso sobre el mismísimo presidente de los Estados Unidos- pero salpicados de canciones tan inmensas como The man I love. ¿Quién podría pedir más?
Los Gershwin estrenaron en el otoño de 1930 un musical que batió records de popularidad. Girl Crazy. La historia se ambientaba en un pueblo del oeste al que revolucionó un empresario de Broadway. Eso mismo fue lo que sucedió con la protagonista de este show, una novata recién llegada a la ciudad que se convertiría en la estrella definitiva del musical americano, la taquígrafa que tuvo que acortar su interminable nombre (Ethel Agnes Zimmermann ) porque no entraba en los carteles. Con una voz y una energía a prueba de misiles, este huracán humano se las arregló ella solita para levantar la moral de un país alicaído. Hay un antes y un después de la aparición de Ethel Merman en escena. Las colas para verla en este show se alargaban tanto como las notas que salían de su garganta. Cuentan que George Gershwin fue a verla al camerino el día del estreno, tras el primer acto (acababa de cantar la gloriosa I got rhythm) y, a pesar de haber estado preocupado por su escasa formación como cantante, le pidió que jamás fuera a clases de canto. ¿Quién querría pulir un diamante tan puro?
Otra flor salvaje fue descubierta por aquellos días, una cantante negra que actuaba en el Cotton Club y que dejó pegado al asiento al mismísimo Irving Berlin. Ethel Waters se llamaba esta chica de Filadelfia de origen miserable, fruto de una violación que sufrió su madre cuando solo tenía trece años. Su infancia la pasó de familia en familia, de abandono en abandono, algo que aunque ella no quisiera, no podía evitar transmitir con su vocecita dulce y al mismo tiempo endurecida como una roca. Aún no era aceptada la intervención de negros en otros musicales que no fueran expresamente pensados para ellos. Los cantantes de jazz o los bailarines de los minstrel shows encajaban perfectamente en los gustos populares, pero ¿protagonistas negras en obras en las que también había blancos? Era mejor no mezclar las razas, pero a Berlin no le importó. Estrenó su revista "As Thousands Cheer" y sacó a la Waters a escena sola, apenas sin maquillaje, a cantar Supper time, un escalofriante tema que cuenta la historia de una mujer que siente que su esposo no volverá a casa. Una canción que hablaba de los linchamientos de los negros que todos sabían que existían pero nadie quería admitir. No muchos se atreverían a echar jarros de agua tan fría sobre un público deseoso de diversión y entretenimiento sin más. Pero eran los años treinta, y algo estaba cambiando en Broadway. Am I blue?, Taking a chance on love, Miss Ottis Regrets o Stormy weather... antes de Billie Holliday, y antes de la Fitgerald, y de la Vaughan, Bessie Smith o Lena Horne. Esta pobre chica de color sacudida por los rigores de una triste vida, abrió un ancho y largo camino que sería recorrido por muchas otras, iluminando con su fuerza y su talento un tiempo tormentoso.     

Play it again

The ballad of Mack the Knife (Mackie Navaja)

En este año, Angel nos ha estado llevando por los escenarios de Broadway, tanto por las obras que están ahora en cartel como por los hitos del pasado, además de irnos explicando cómo se ha creado este género tan americano. En esta entrada os propongo indagar en la raíz europea del teatro musical.

Vamos a cruzar el Atlántico para viajar al Berlín de los años 20. La ciudad había dejado de ser la capital de la Prusia del Kaiser para acoger a los comunistas, socialdemócratas, nazis, expresionistas, dadaístas, bauhaus  y románticos rezagados. En esta salsa, el músico Kurt Weill conoce en 1927 al escritor Bertolt Brecht. Weill es un compositor de sólida formación clásica, hijo de un cantor de sinagoga; Brecht es un escritor y director de teatro, poeta y activista de izquierdas. Weill había escrito que “la música ha dejado de ser un asunto de unos pocos”, y pretendía romper para siempre la línea divisoria entre la música clásica y la sociedad moderna. De su unión con Brecth, y con la cantante Lotte Lenya, que sería su esposa, nació una obra, Die Dreigroschenoper, la Ópera de los Cuatro Cuartos. Estrenada en 1928, es una revisión de las “murder ballads” inglesas, los recitados de crímenes. En esta se narra la historia de un experto criminal de elegante estilo, Maceath  “El Cuchillo”, pero haciendo también una aguda crítica a la corrupción burguesa y a la hipocresía de la sociedad.

Die Dreigroschenoper, al igual que el Show Boat de Jerome Kern  estrenada el año anterior, el Porgy and Bess de Gershwin, o más tarde el West Side Story de Bernstein, se sitúa en la linde entre los géneros clásico y popular, combinando números de éxito con partituras musicalmente elaboradas y temas socialmente comprometidos. El número más conocido de esta obra,  la balada de Mackie “el Cuchillo” se convirtió en una de las canciones más famosas de la Alemania de Weimar.

Tras la Segunda Guerra Mundial, Kurt Weill, Lotte Lenya y Mackie tuvieron una nueva vida en los Estados Unidos. Los Weill habían salido de Alemania en 1935 y en 1943 obtuvieron la nacionalidad norteamericana. Kurt Weill compuso partituras para el cine, pero se dedicó principalmente al musical, con éxitos como Knickerbocker Holidaty (September Song) Lady in the Dark o One Touch of Venus. Tras la muerte de su marido en 1950, Lotte Lenya se dedicó a mantener su legado en grabaciones discográficas y apariciones televisivas,  pero también a continuar su propia carrera como cantante, animada por Leonard Bernstein. En 1954 ganó un Tony por su actuación en la versión de Broadway de La Opera de los Cuatro Cuartos, y en 1966 engrandeció con su presencia el musical Cabaret, interpretando el papel de Fraulein Schneider que, a pesar de tener canciones maravillosas, no apareció en la versión cinematográfica. Debió ser emocionante que la misma cantante que estrenara la obra en el Berlín de los años 20 apareciera cuarenta años más tarde en el musical que homenajeaba a esa música y a esa época.

A Mackie le volvió a dar vida el grandioso Louis Armstrong en 1956, rebautizándolo como Mack The Knife. Traducida al inglés, tamizada por el jazz, incluyendo a la propia Lotte Lenya entre las víctimas del asesino, y conservando esa melodía que se pega al oído y al paladar, la canción se convirtió en un estándar del pop americano. Ella Fitzgerald la cantó en el mismo Berlín en 1958, y Frank Sinatra hizo de ella una especie de himno de su Rat Pack, pero quien la llevó al número uno y se la apropió para siempre fue Bobby Darin, cuyo biopic filmó y protagonizó Kevin Spacey en el año 2004.  Y en el primer post de este mismo enero hemos oído a Hugh Jackman cantarla en su espectáculo de Broadway.

La azarosa travesía del elegante asesino con el cuchillo escondido no acaba aquí. En 1978 Rubén Blades la versiona en ritmo de salsa y nos presenta así a Pedro Navajas, matón de esquina. Sorpresas te da la vida.

La Ópera de los Cuatro Cuartos se sigue representando en teatros de todo el mundo y una canción creada en la efervescencia del Berlín de los años 20, cantada por los mejores crooners de los cincuenta y pasada por el Caribe, que sigue tan fresca como la primera vez que la oímos. El propio Kurt Weill había declarado en una entrevista de 1940: <<No he reconocido nunca la diferencia entre música “seria” y música “ligera”. No hay más que música buena y música mala>>. Pues eso.

Isabel J. Heras

Who is who in the cast

Audra McDonald (Happy Songs, Happy Birthday)

Haber conseguido seis Tonys con cuarentaypocos años, además de otras tantas nominaciones, premios del  American Theatre Guild, Drama Desk Awards etc... no la convierten en una estrella. Lo que hace que Audra McDonald sea especial es su alma. Ese algo intangible que pone en cada personaje, en cada canción, en cada gesto. Un alma más grande que el mayor escenario en el que pueda poner los pies. Pero para eso no existe un premio, ni falta que hace.
Los padres de esta niña nacida en Berlín en el año 70, se preocuparon mucho cuando un médico les dijo que su hija padecía una severa hiperactividad. Una vez que se mudaron a Fresno, California, la apuntaron a todo tipo de actividades extraescolares -clases de canto y baile entre otras- para ver si así "desfogaba" su extrema inquietud y llegaba exhausta a la noche.  De esa forma descubrieron que tenía un don que no podían esconder, había que dejar que el mundo la oyera cantar. Así fue compaginando sus estudios con diversos cursos de arte dramático y canto hasta que cayó en las manos de Ellen Faull, uno de los pilares de la Juilliard School. Guiada por la reputada soprano, McDonald encaminó sus pasos hacia el mundo de la ópera, pero fue su pasión por la actuación la que la entretuvo por los teatros de Broadway. A pesar de que su carta de presentación era una excelente tesitura para la música clásica, no tardó en ser reconocida como una actriz capaz de sacar adelante personajes con o sin canciones que cantar.
The Secret Garden (1993) le ofreció su primer papel de importancia, y al año siguiente ya la teníamos recogiendo su primer Tony a la mejor actriz secundaria por Carousel. Master Class, A Raising in the Sun o Henry IV demostraron su fuerza como actriz dramática en obras no musicales, reportándole más y más reconocimiento. Y mientras tanto se paseaba por series de televisión como Law and Order, Sin cita previa (Private practice) o Anatomía de Grey. Triste pero cierto: siendo sus trabajos menos agradecidos, son los que le han dado verdadera fama (son muchos los que solo la reconocen como "la negrita de Grey"). Ya se sabe, la tele es la tele.
Pero donde este animal de escenario se transforma, donde la intérprete con mayúsculas se crece y brilla es en el teatro. En Ragtime, el excelente musical sobre la obra de Doctorow, hacía el papel de Sarah, la madre desvalida que lucha por dar un mundo mejor a su hijo. Otra vez tuvo que levantarse a recoger el mayor premio que se le puede dar a un actor. Cuando tuve la oportunidad de verla por primera vez -en el Studio 54 con la obra "110 in the shade"- no tardé ni un minuto en comprender la razón de su éxito. Al entonar su primer tema en este precioso musical, Love don´t turn away, se me cayeron dos lágrimas de la emoción que aún sigo sientiendo. Y no solo por ella, sino por Lizzie, la solterona que espera el amor que no acaba de llegar y está a punto de tirar la toalla. La dulzura y la aflicción que expresa trasciende a una "buena interpretación" al uso. Una actriz de piel -negra y bella- de voz y de entrañas. Sin trucos, con toda la verdad que se puede dar mientras se finge.
Y ahora es Bess. La amada de Porgy, la más vulnerable, desvalida, patética y sublime Bess de cuantas lo han sido. En esta versión del clásico de los Gershwin -mucho más cerca del teatro y más lejos de la ópera- despliega todo su potencial, toda su fuerza y también su flaqueza. Su mirada suena aún más que su valiente voz de soprano, y sus lágrimas inundan el Richard Rogers Theatre (las nuestras también ¿o no?).
Uno de los varios discos que ha grabado -y que recomiendo encarecidamente- se titula Happy Songs. Y no se me ocurre mejor manera de llamar al puñado de preciosas canciones populares que trae, a pesar de que algunas cuentan historias nada felices. Felicidad, ese es el sentimiento que me ha producido oir y ver a esta mujer superlativa. Y por eso lo comparto hoy con vosotros.
Así como comparto la felicidad de haber cumplido un añito disfrutando -y haciendo disfrutar, espero- de las historias, las letras y las músicas que por aquí han pasado. Parece un tópico, pero sin vuestra compañía y vuestro apoyo no habríamos cumplido ni dos semanas. Así que Happy Birthday... y Happy Songs!  

     



TKTS

Give my regards to Broadway  (nine days in New York)

En el centro de Times Square -que es a su vez el centro de Nueva York y del mundo mundial- hay una estatua de un señor que mucha gente no conoce. Se llama George M. Cohan, y por su lado transitan al día miles de personas sin ni siquiera reparar en su presencia. Entregado actor, bailarín, compositor, productor teatral... un enamorado de su profesión hasta los tuétanos. Entre otras muchas, le pertenece una pegadiza canción que es también su declaración de amor por esta ciudad y este ajetreado barrio. "Cuando esté lejos de allí... dale recuerdos a Broadway..."

Lejos ya del bullicio del Theatre District, con los pies destrozados, los bolsillos vacíos y el corazón rebosante, mis amigos -y fieles seguidores- y yo, os hacemos una pequeña crónica de lo que han sido nueve intensos días en el cielo de los amantes del género. Os contaríamos muchas cosas más, pero aquí venimos a hablar de musicales ¿ok?
Las señoras primero:

¿Cómo empezar a describir la experiencia neoyorquina? ¡Qué difícil…con los maravillosos espectáculos que hemos visto! Podría empezar con la inmensa emoción que me produjo ver “Follies”, un show soberbio,  con la estrella rutilante de Cole Porter y Sutton Foster en “Anything goes”, con el show íntimo y sincero de Mandy Pantikin y Patti LuPone, con la fuerza dramática de Audra McDonald y Norm Lewis en un maravilloso “Porgy and Bess” o con la energía colorista  de “How to succeed…” y “On a clear day” pero, como os podéis imaginar, mi crónica está dedicada al más grande de todos…HUGH JACKMAN.

¿Qué puedo decir de este hombre? Yo subí las escaleras como una sonámbula, sin ser consciente de lo que me rodeaba, muy nerviosa delante del telón rojo, y apareció cantando “Oh what a beautiful morning” que hizo brillar a todo el teatro. ¡Es una estrella! Transmite una cantidad de energía, confianza, sin ninguna arrogancia, con tanto encanto que te lo llevarías a tu casa envuelto en papel de regalo. Ha sido un show lleno de emociones, especial, muy íntimo…quizás por ser el último día. Ha dedicado la canción “The way you look tonight” a su mujer y el “Soliloquy” de Carousel a su padre, y ha llenado el escenario bailando e interactuando con el público. ¡¡Brillante!!

El segundo acto fue para enmarcarlo, con las canciones de “The boy from Oz”, con un homenaje a los musicales de la Metro, “Guys and Dolls”, “Singing on the rain”, “An american in Paris”, “Easter Parade” y “Sing, sing, sing”, con un montaje precioso y unas coreografías maravillosas…bailando con las chicas de una manera deliciosa. ¡Soberbio! Terminó con un enérgico “Mack the knife” levantando al público de sus asientos. Al final, para despedirse, nos cantó como regalo el “Once before I go”, la joya final del musical “The boy from Oz” y nos sonrió, nos aceptó los aplausos y los chillidos y se despidió dejándonos con la boca abierta, sin poder articular palabras, sintiéndonos importantes por el simple hecho de estar allí.
¡Yo creo que terminé con fiebre! ¡¡MARAVILLOSO!!

Fdo: Conso

Nervios, frío, colas del TKTS, los cinco sentidos a flor de piel para absorber todo lo que estaba viendo... y al final del día un musical maravilloso. Esa es la crónica que mejor podría resumir mi primera incursión en la gran manzana, aunque en este caso se vio remarcada por el magnífico remake del musical de Cole Porter “Anything goes”. 

Con una producción cuidadísima, unas coreografías espectaculares, unos actores de infarto y después de todos ella, la única y la irremplazable Sutton Foster, ganadora de dos premios Tonys, pieza clave de la producción y estrella indiscutible del show. La trama del musical es un poco de Lina Morgan, sin sentido ni orden, pero muy apropiada para pasar dos horas y media sin que te des cuenta. La orquestación fue buenísima, con una agilidad y una precisión dignas de la mejor sinfónica. Pero lo mejor de todo el espectáculo, es el número musical de aproximadamente doce o quince minutos de claqué, con todo el cuerpo de baile perfectamente coreografiado, que te dejan pegado al asiento, sin habla ni respiración, no como la Foster, que baila y canta sin inmutarse, sin perder ni un tono ni el aliento, que parecía que estaba tumbada tan tranquila, y llevaba quince minutos dando zapatazos... 

También merece una mención especial el Sondheim Theatre, edificio antiguo remodelado y rebautizado en honor de Stephen Sondheim con motivo de su ochenta cumpleaños. Un teatro moderno, funcional, con una visibilidad magnífica desde la orchestra, y lo más importante de todo... subterráneo!
Fdo: Fernando

Nueva York,  años 60.  Un joven limpiacristales, apuesto y ambicioso, se topa con un libro: Cómo triunfar sin dar golpe.  Siguiendo sus indicaciones al pie de la letra, consigue entrar en una gran compañía, la World  Wide Wicket Company, donde va escalando puestos realmente sin dar golpe y empujado hacia lo más alto a base de casualidades y muy buena suerte. Este es básicamente el argumento de una comedia musical deliciosa que tuvo su estreno en Broadway en 1961, llevándose al año siguiente 7 de los 8 Tony’s a los que fue nominada. En 1967 se hizo una película con el mismo título, que desde aquí os recomiendo, coreografiada por Bob Fosse y en 1995, un revival protagonizado por Matthew Broderick.  En la versión actual el papel protagonista, que se inició con Daniel Radcliffe-Harry Potter, ha sido retomado por Darren Criss, uno de los retoños del fenómeno Glee, convertido de la noche a la mañana en ídolo de quinceañeras (y no sólo).  Una puesta en escena muy cuidada a base de módulos hexagonales iluminados de tamaño algo superior a una persona, que se encajan de múltiples maneras sugiriendo los distintos espacios en que se desarrolla la historia, un vestuario de la América sesentera , un colorido en escenarios, iluminación y vestuario que recrean perfectamente la época  y unos números musicales magníficamente interpretados, llenos de energía y vitalidad, y con la herencia Fosse en cada uno de los movimientos, consiguieron que disfrutáramos al máximo. Números a destacar: Coffee break (que no está en la película), A secretary is not a toy, I believe in you y Brotherhood of men; en cada uno de ellos el despliegue interpretativo y coreográfico, así como las imaginativas puestas en escena son especialmente espectaculares. Igualmente destacable la participación como jefe de la compañía del veterano actor Beau Bridges. El público entregado con todos ellos, pero sobre todo las niñatas -y no tan niñatas- con Darren Criss, al que sólo le bastaba hacer un movimiento especial de cadera, para que se pudiera oír en cien metros a la redonda del teatro el griterío.  Entre los espectadores se encontraba Jane Lynch, la profesora Sue Silvester de Glee, que recibió una gran ovación al entrar en el patio de butacas al inicio del segundo acto.
Está claro que en Broadway el espectáculo siempre está garantizado, y no solo encima del escenario. 
Fdo: Juan

Os dejamos con una pequeña muestra de lo que hemos visto. Ojalá hubiérais podido estar allí. Tal vez la próxima vez ¿no?